了不起的苏小姐，纯艺MFA《布林客》杂志主编（公号：blinkzine） 阅读原文 印象派的画作，在世界范围内，都收获了无数的粉丝和极大的欣赏热情。这些画，简单明了，描绘了一些恬静的山野，潺潺的流水，温柔的睡莲，炙热的阳光，午后的聚会，即使你觉得它没什么用，但基本上没有人会反感这种形式的艺术吧。 用「好看」来讲述印象派是简单粗暴的，但也是正确的。 它们确实是好看；但又不至于简简单单的视觉讨喜。 印象派的画作，无论是画山水、画人物、画花草，都给人一种飘忽不定的感觉，也就是艺术家本人追求的一种「稍纵即逝」感，a fleeting moment，把当时自己的双眼和心理感受到的景色，以一种印象般的风格，呈现在画布上。这种画面风格，类似于我们中文里说的「一瞥」。 同时，印象派的画面特色呈现出来的是潇洒自如的笔触，十分洒脱，十分粗旷，十分潦草，也十分写意。 把印象派和它出现之前的沙龙绘画、以及沙龙画家崇拜的古典大师们相比，笔触（brushwork）的痕迹很明显，简直像是一百多年后美国抽象表现主义的波洛克等人所追求的「绘画的行动感」了。 左边是安格尔的画面细节，右边是莫奈的细节，笔触变得粗大、凌乱 所以，当印象派与 1874 年第一次在巴黎办展的时候，沙龙画家和上流社会是一起看不上、瞧不起的。印象派就是那个世纪的当代艺术，走在了大众审美的前面。 如何欣赏和理解印象派绘画，我总结了四大要点，记住这四点，印象派怎么看懂一点也不难： 1，❤️ 印象派画家热爱：户外创作 沙龙画家和他们崇尚的古典大师们，基本上都是在自己的画室中工作，使用真人模特，巨大的画布，成功的大画家更像是一个公司或工作室形式，有很多助手，接受内容订件。这样的画作，一般来说，都画面画幅巨大，内容气势磅礴，人物众多，构图精心设计，丝丝入扣。一幅这样的画可以画上个大半年甚至好几年，类似的作品就像是《夜巡》和《拿破仑加冕》。 虽然说 17 世纪，荷兰画家们就开始在户外创作风景画，但是风景画的地位一直不高。就连后来，在英国发展出 John Constable 和 J W Turner 这样热爱自然的大画家，他们的户外活动也多半是属于写生和记录，真正的「作品」都还是回到画室之内完成的。 而印象派画家多半是个体户，独行侠，室内待不住，一个人背着画材就去户外创作了。因此，从画作的物理性来看，印象派他们的画幅一般而言都不会很大，因为太大了不好搬动，也不好画完。 在户外创作，天气、光线、温度、事件，说变就变，因此印象派的画家必须快速完成一幅画，在细节上就不像是沙龙派画家那么精雕细琢，粗放型的笔触就这样出来了。 莫奈睡莲的细节 2， 不追求「永恒」而是「稍纵即逝感」 之前的沙龙画家和他们崇尚的古典大师，都是喜欢在画面里追求一种高不可攀的「永恒感」，人物的衣饰姿态、人与人之间的关系，空间里的排列，每一个细节都反复琢磨，为了保证一种画面的永恒美感，一种绘画的仪式感，一种内容与形式的高贵。 而随着自由精神抑制在西方世界出现，艺术中的自由派也开始反思这种永恒的高大上趣味。 写实主义绘画（Realism）就已经开始挑战沙龙美学了，他们不画那些看上去高大上的东西，而画一些农民、农田，普通人的生活，展现他们所处时代的真实面貌。 例如，库尔贝（Gustav Courbet）就建立了自己的绘画圈子，崇尚一种新的绘画风格。 Gustave CourbetFRENCH, 1819 - 1877，THE GRAIN SIFTERS, 1854，oil on board 库尔贝还在 1855 年弄了一个自己组织的画展，就展出那写实主义的绘画。但是和后面的印象派绘画相比，这些画，还是在画室内完成的，还是过于设计了一些。 1863 年，在巴黎，一群人举办了一个特殊的画展，专门展示了那些被沙龙展览拒绝的作品。就包括了一些爱德华·马奈（Edouard Manet）的作品。 马奈不属于印象派，但绝对是承上（古典大师）启下（印象派）的重要人物。他模仿和借鉴古典大师的内容、风格与美感，但是在画法和空间意识中，又把现代绘画慢慢从「透视法」的绝对正确和固定模式中解放了出来。他本人也和印象派的一批青年画家生活在同一时期，是很好的朋友，在思想上也会相互影像。 关于马奈，我之前做过一次知乎 Live，如果感兴趣「绘画中空间意识的转变」值得一听： 在当代艺术中重新认识空间 说回到印象派，打破常规，不追求传统美感，不尝试制作艺术中虚无缥缈的永恒感，反而是追求一种生活中，真实存在的「稍纵即逝」感，成为了他们的共同性。 雷诺阿的画 无论是，莫奈、毕沙罗、雷诺阿，还是后来的梵高、塞尚，其实都是更在乎世界万物在自己的眼中，那忽闪一下，留下的感觉。 生活中的每一刻、每一秒，世界都在改变，天光云影都在变，风景颜色也是，人物的心情也是，而这些东西有时候比细细雕琢的永恒感更难捕捉到。生命里稍不留神就会遗失的美好——这些大概就是印象派画家不断自我挑战，一次次出门远行，一次次摊开画布时想要画下来的东西。 3， ❤️记录现代生活的样子 印象派画家喜欢走出画室，画自己生活的周围，画自己的家乡的山景、巴黎郊区的树林、公园里的湖水、午后的花园下午茶、郊游时的欢声笑语，这些人捕捉和记录的自然人生，自然而然地展现出来了 19 世纪末人类文明的样子——人类文明进入到现代主义生活方式之后的样子。 你会发现，很多从来没有在绘画中出现过的事物和场面，开始在这些画家的笔下出现了： 农田里的工厂和烟囱，有着粗大墩子的大桥，熙熙攘攘的火车站，冒着白烟呼啸而过的火车，车水马龙的巴黎市区，都市人在巴黎街头散步的样子。 莫奈，Bridge at Argenteuil 这些都是资本主义现代化建设，城市诞生的样子，中产阶级生活范本的呈现。 这些人的衣食住行、娱乐生活、喜好与趣味，都展现和记录下来了人类「摩登生活」的场面和状态。让人们可以直接在很多印象派的画作中，领略到一个处在世纪之交、生活变革、城市发展的积极时代中的艺术家视野，感到一种从唯美的田园风光逐步向文明进步的新时代迈进的阳光与自信。 毕沙罗笔下的热闹非凡的巴黎街头 Gustave Caillebotte 笔下的雨间漫步的时髦巴黎人 除了在画面本身记录和展现现代生活的方方面面，在创作的技术层面，也可以感到现代化的出现。 管状颜料的发明，帮助了印象派画家去户外创作，新的颜色和新的材质的发明和生产，使他们有了更大的发挥空间。色彩理论与光学研究的进步，进一步推动了一批印象派画家朝着一个更严谨、更加科学化的方向探索。 1839 年，法国化学家 Michel-Eugene Chevueal 发明的色彩理论，告诉了人们，人类的眼睛是如何通过对比而对颜色进行消化和分辨。这一理论极大地刺激了「点彩派」（Pointlism）的绘画，如修拉和西涅克。 新印象派 - 点彩派 - 修拉 还有，摄影术的出现，很自然地影像了绘画这门艺术。 一部分画家开始在画面中尝试一种类似「快照」的构图，以捕捉一种事物和人物的运动感。 德加的很多绘画都给我一种「照片」的感觉 另外，既然已经出现了一个新的技术发明，可以迅速地逼真捕捉下一个场面或人物的外貌，那么，在绘画艺术中，把一个东西画得再逼真，似乎没有什么意义了。 所以，摄影术的发明，也侧面刺激了印象派的画家，让他们走上了一条更加追寻内心世界，而不是捕捉外部真相的样子。最好的例子，就是塞尚，这个孤僻倔强的法国人，成为了艺术史中第一个「用两只眼睛看世界」的人，直接起到了启发后来整个现代艺术打造之大工程的革命家意义。从此，绘画以及更多的艺术表现形式，都开始朝着一个「抽象化」的方向发展而去。 塞尚的桌上静物 4， 艺术=艺术家 / 艺术的个人化历史倾向 「这世界上没有艺术品，只有艺术家」。 贡布里希爵士的这句话，从描述印象派画家的角度来说，十分准确。 在美术馆里，很多时候，看印象派的绘画作品，基本上不需要看注释名牌，草草看看画面的内容、主题、风格、笔触、色调，有时候都可以准确地定位画家是哪一位。 莫奈喜欢重复画一个东西（如草垛、睡莲），画一个建筑物（圣乔治大教堂）；塞尚喜欢画桌子上的水果和水罐，喜欢画家乡的圣威克多山；雷诺阿喜欢画美丽的少女和小孩，喜欢把人物和风景都加上一个「美图秀秀」一样的柔光滤镜。。。这样的风格太明显，主题和技法也都充满了这些艺术家不同的艺术理念和美学趣味。 莫奈的某一个草垛 很多时候，你看着莫奈的粉色的、蓝色的、紫色的草垛，和塞尚蓝色、绿色、橙色的苹果，你真的觉得，他们画什么都不重要。因为，这些画家，并不是在乎和热爱他们笔下的这些物体，而是真的热爱和痴迷于画画这件事本身。 还有关于印象派画家们说不完的逸闻趣事，尤其是到了后印象派的三位，梵高、塞尚、高更，这几个老哥哥一个个都是奇葩故事讲不完，人生经历超坎坷，后世的八卦与猜想不断。就看看好莱坞有多少改编自此三人的剧情片就可窥见一斑了。 所以，印象派之后，艺术=艺术家，的这个时代趋势被无限放大了。 有时候，我们会发现，我们爱梵高这个人，超过了爱他的画作。就是这个意思。 梵高 而艺术的私人化、个人化，艺术家个人地位在艺术创作中占据的不可动摇的地位，观众对于艺术的理解问题，这一切的一切，其实都与「艺术品」与「艺术家」的关系分不开。甚至是说，印象派之后的所有艺术创作，其实客观上看，都可以看作是「艺术品大」还是「艺术家大」的这个权重问题的来回较量；这一趋势尤其是在进入到当代艺术的范畴之后，看看抽象艺术、概念艺术、行为艺术、大地艺术、关系美学等等，都是这个权重问题的讨论。 刹车，不写了。再写下去，已经超出了题目「怎样欣赏印象派的画作」的问题范畴了。 希望大家觉得有用！ 阅读原文
