周雨思Yusi，知名音乐博主；音乐审美通识教育践行者 阅读原文 钢琴家如果能在原曲的基础上，自我发挥，加入自己的二次创作，那么不可否认，这样的演奏就是非常有价值的。近代很多优秀的钢琴家是当之无愧的大师。但现实情况是如今确实存在一个很大的问题是：大部分的琴童甚至很多钢琴家，只会依照谱子演奏，根本没有自我发挥的能力。 一、为什么演奏越来越照本宣科，失去了生命力？ 音乐行业的细分，以及大众对古典音乐的固化认知，导致业内人对自身要求降低，逐渐失去了创造力。 要知道，“钢琴家”是近代才逐渐分化出来的一个职业。在历史上，没有作曲家、演奏家之分，他们只有一个统一的称呼——音乐家。 既能创作，也能演奏，是那个时代每一名音乐家的基本素养。我们熟知的肖邦、舒曼无一不是能写能弹的全才，即便是当时以演奏出名的克拉拉，也是同样具备创作才能的。 而当年的音乐家在演奏时，其实常有即兴发挥的时刻。比如，在古典乐协奏曲中，就有专门供演奏者即兴表达的华彩部分。巴赫的《勃兰登堡协奏曲》第五首的第一乐章，就有一段很长的大键琴华彩，我们可以从音乐中听到他自由酣畅的表达。 但是现在，我们听音乐会，会发现几乎没有任何一场协奏曲的华彩部分是即兴的，因为如今很多“钢琴家”几乎没有这样的能力了。 是的，近代以来，音乐行业细分出“钢琴家”这一职业，而这个职业，不管是业内人还是大众看来，都是对创作没有要求的。 但对于一个做音乐的人来说，只会演奏而不能创作，其实是一件很荒谬的事。 就像一个学英语的人，只学会了背诵和朗读而无法进行日常自主对话，却被认定为“英语专家”。 很多琴童就是这样被教育和成长起来的，像学“哑巴英语”一样也学成了“哑巴音乐”：只要能依据谱子弹下来就是学会了，根本没有人关心他们是否可以用音乐“说话”。 可悲的是，出于对古典音乐的固化认知，大众并不认为这是一件很奇怪的事。 更多的人默认钢琴家只要把曲子弹奏好就可以了，默认他们不需要会创作，默认这些缺乏生命力的音乐是正常的、甚至优秀的。 我曾经看过一个笑话：如何让一个钢琴家停止弹琴？答案是：把他的谱子拿掉。 虽然只是一个笑话，但如今想想，真的是意味深长。 二、刻意尝试比起刻意练习，要伟大得多 当然，并非所有钢琴家都在对自己降低标准。依然有很多优秀的钢琴家，在追求创作、追求自我表达，因为他们知道，这才是音乐真正的意义。 比如我们之前提到的古尔达，他原本在古典乐演奏上已经达到了很高成就，但为了可以有更大的空间自我表达，他选择跨界到爵士乐。这其中的难度可想而知，但古尔达还是义无反顾地去尝试了。 小时候，我曾看过一本阿格里奇的传记，里面写到古尔达曾经鼓励她去做有更多即兴的爵士乐，但是她拒绝了。 因为这件事，我一度很不理解阿格里奇，觉得她缺乏勇气去尝试。直到长大后，我才释然，因为她也在自己想做的范畴内去努力了。她尽可能把每一次现场都做到不一样，永远给大家带来惊喜。 今年60岁的加拿大音乐家哈默林Marc-André Hamelin，也是集创作与演奏才能于一身的大神级人物，古典音乐弹奏信手拈来，创作音乐也不在话下。他创作的小调练习曲，有很多伟大作曲家音乐的身影。 另外，俄罗斯90后钢琴家特里福诺夫，也曾创作过钢琴协奏曲。虽然作品中明显有前人的味道，但至少他向前迈出了那一步，有尝试去发出自己的声音。 所以你问我，自我表达有没有对错？表达没有对错，但是一定有好坏。 像上面的例子，这些钢琴家都在有意识地、不断地训练，让自己的演奏方式更丰富，不断让大家听到新的东西，我认为这就是好的表达。 而那些经验化、套路化，总是用同一种方式来突出情感的，我认为就是不够好的表达。 郎朗本身其实是一个非常有天赋的表达者，但是我们有时候会感受到他的演奏陷入一种套路化的表达：比如表达浪漫，往往总是先抑后扬，用长音来表达深情。 不是说这样不对，只是每一次都用这些技巧，就很难再带给人新鲜感，我们会觉得他没有再做过新的思考与尝试了。这一点会让我觉得特别可惜。 当然，这种无意识的、无思考的表达，并不仅仅存在于古典音乐，哪怕是非常依赖于即兴的爵士，也很容易被这种套路化、经验化的演奏充斥着。因为不加思考地表达，往往是最轻松、最省力的。 所以在我看来，有意识、有思考的去尝试，比不加思考、千篇一律的重复训练要伟大得多。 因为在无数次的尝试中，充满了不为人知的艰辛和挑战，但呈现出的结果，却是最热烈、最动人的花朵。 音乐，永远不是会弹钢琴就够了，更能打动人的，往往是那些努力尝试后，新鲜而惊艳的瞬间。 阅读原文
