龚钊Asa，唱作人、吉他手 阅读原文 切实体会，深有感触。 但你说的这种鄙夷和优越感，但凡它一出现，就将成为限制一个人扩展自己艺术审美的阻碍，这点毫无疑问。 其实我们生活中所遇到的大部分鄙视和优越感全都来源于视野窄、不了解。这种互不尊重不仅存于传统乐队乐迷与电子乐迷之间，也不仅仅存在于风格之间。音乐圈内，这种互不了解，也广泛存在于各个细分专业领域。 去年玩儿知乎，围观各种回答评论中的争辩，我从学长 @梁源 那儿学习到了一个探讨问题的重点： 我们无法讨论问题的根本原因，其实在于讨论双方的边界没对齐。 举例说明：当一个吉他手和一个电子音乐人讨论什么是“在云中的感觉”的时候，吉他手考虑的是选什么音、怎么弹、怎么组织音符、力度、音色、如何编配；电子音乐人想得可能是音色分类、EQ 频段、选什么合成器、后期调完了什么效果。 本来就是因为经验和擅长不同而导致的出发点不同、方法过程不同，如果彼此不了解对方的边界，而断言对方艺术审美不成，那任何人之间就无法合作和交流。本质上出现这些鄙夷的原因，是我们学习的音乐语言不同，但彼此的语言没能交汇。 很多乐手根本不了解电子乐是什么，也不了解制作。如果接触到拽几个 loop 做了首神曲，就被追捧的电子音乐人，接受他营销方向敏锐、流行度把握得好还行，但想来也很难认可他的音乐能力。因为大多时候，这些人的音乐能力确实不太够；同理，很多电子音乐人也不了解器乐，好的电子乐队是真人演奏的，做电子但却不明白 loop 和真人演奏的区别界限，觉得乐手太传统，也不了解器乐的特性；能坐十个小时做一个音色，却没有现场的控制力，自然会觉得乐手太随机。这些误读，站在任何一方的立场上其实都可以理解，但我看来，这种争执只会发生在水平不够的标准线以下。 像刚刚宣布解散的 Daft Punk、纯在声音极限上开拓的 Kraftwerk、玩儿数学的 King Crimson，老头儿了还是原来那个劲儿的 Rolling Stone 和 AC/DC，一辈子弹吉他的 Eric Clapton 等等，大家不会看不起，无论他们一辈子只演奏器乐还是只会拿电子做音色，都不会被看不起。 究其原因，和他们用什么做音乐都没关系，原因在于他们的音乐意识。他们的音乐语言无论是任何，都不过只是工具。 虽然我不知道题主的立场如何，但以我从业的经验而言，并非只是传统乐手对电子乐有不正确的认知，其实电子行业乃至制作行业对于乐手的认知，也是相当片面的。 电子乐里有电子音乐人和电子乐队，很多大牌电子乐队现场演出，例如 Portishead 是真人全场弹奏的。因为这些做电子乐队的音乐人非常了解，演奏的时候，你的动态和张力控制，动人的部分还是要人来完成。你想做一个现场演奏的电子乐队，却不愿意在现场控制表现力最强的演奏上下功夫，被乐手鄙夷我觉得也没有什么可喊冤的。 电子乐中 DJ 的搓碟，合成器的音色控制、midi 控制都是需要精准的机能练习的，挑音色需要时间，练技法也需要，你把所有时间用在制作音乐而非演奏音乐上，就不应该要求别人肯定你这个方面。就像我去看完发电站的现场，我也只会觉得：音乐概念、音响、音色、现场舞台设计太震撼了；而不是非要说：他们弹得真棒！ 分享一个令我印象深刻的视频，是 Jacob Collier 和 Larnell Lewis 在 groundup 音乐节后台随便玩儿的一个 Jam，说明一下用打击板儿打鼓应该是什么样儿的，真不是用鼠标点完现场直接放 PGM 不管就完事儿了的。 我经常接到一些国内制作人发来的工作，可能是一个键盘出身的编曲老师，或者一个后期老师，他所提出的一些风格或者演奏技法上的要求，在吉他上实际上常常是毫不合理的。很多所谓的电子制作人连基本的音域选择、风格特色、手法能到达的动态张力都不够了解。有时制作人朋友在跟我聊不同型号吉他的音色的区别时，我常常感觉，只考虑到材质型号，却不考虑手法力度能到的极限，都不过是纸上谈兵罢了。 同时，很多乐手对制作也是没有概念的。很多时候大家需要了解的是，电子音乐其实跟乐队文化几乎是同时期就开始了，但一开始这本来就是两个方向。乐器就是演奏出发，接电有了后来各种音色与风格的拓展，一步一步演化至今的。电子乐也是一样，从一个声音信号开始，塑造一个声音的形态，结合不同时期的科技进步和社会文化，一步步发展而来的。 就跟你学吉他，你不能弹完 John mayer 不知道 srv 和 jimi Hendrix，你玩儿电子不知道声音的原理和风格脉络、与各时期文化的关系，就单纯把它当成音色拓展。当然你也可以这么坚持，但就不要怪电子音乐人嫌你不尊重他们的精力和专业。电子音乐人靠频段就能控制情绪，是一种声音物理，本质上和你在乐器上靠演奏制造情绪张力是一样的。但是手法不同，擅长出彩的方向不同，并没有什么本质的区别。 坂本龙一在玩儿 YMO 的时候已经是一个非常优秀的钢琴演奏家了。他在纪录片《Coda》中说过一句话，我印象非常深刻，他来解释用电脑做音乐有什么好处的时候，演示了一段琶音，他先用手弹奏，到了手跟不上的速度时，电脑就完成了这个高速的琶音，他说，这样就不用十年二十年地练习钢琴了。（B 站的这个视频中 38:10 秒左右的一段） 【完整版】坂本龙一：终曲 Ryuichi.Sakamoto.-.Coda.2017.1080p.Bluray_哔哩哔哩 (゜-゜)つロ 干杯~-bilibili 就像 Jojo mayer 能打出像电子鼓一般的鼓律动一样，这些音乐家都是演奏到了，用电子乐来拓展自己不能到达的部分，这是作为一个演奏者，对音乐表达的一种追求，对自我音乐语言的拓展。 通常，如果能互相尊重地沟通，其实一切问题都能够搞明白。但如果本身不够自信，对对方的音乐语言又不甚了解，说出一些小白的话生怕对方是在贬损自己，立马摆出防御的姿态，进行回击，那么任何沟通，就都难以进行下去了。当然从业多年，如何闷声不响地赚钱走人，每个从业者也许早就学会了。可是能真正不卑不亢地提出自己的意见，真实地探讨，才是更难的。能表达到位更多还是在个人的修炼。 你不能指望对方能听懂你所有话，所以我们最好先了解别人的语言，再开口说话。在被打脸的时候，不要过于急躁。不交流的话，很多事情是无法自己琢磨明白的，但没有这种打开自我的善意和觉悟的话，也就是还没有做好沟通的准备。那我觉得人可以谦虚一点儿，对自己不了解的事情敬畏一点儿，并且任何时候，学习都是不该停止的。 但我所描述的所有我遇到的情况，也并没有贬低任何一个细分行业的意思。因为越伴随接触的人越来越多，我越了解到，造成这种创新和突破上最大的困难，其实是“无论摇滚还是电子，其实对我们而言都只是舶来的音乐，发展时间之短暂，从业人员之良莠不齐，整个学习认知之片面，根本上就是客观存在的。” 从业者之间都如此，那么作为只把听音乐当作业余爱好的粉丝来说，大多数情况下，更不觉得学习对方的音乐语言而与对方平等沟通有什么重要的了。更多的时候，也许只是在附和某一种乐迷身份所能带给自己的社会标签，这种加持也是人社会属性的体现，未尝不可被理解。 但是，作为音乐行业的从业者，如果迎合这样的圈子，并且以封闭地玩儿音乐作为吸引粉丝的方式的话，那么在我看来，只不过是不怎么上进，没什么追求，或者只是懒得去提高自己，觉得比粉丝稍微专业一点儿就够用了；或者感觉“直接否定自己不了解的领域，要比从零开始学习一种新的语言，简单得多“就一边犯懒一边抱着侥幸心理，从而能在行业中得过且过罢了。 说到底，这不过是自欺欺人。甚至当细分领域的壁垒建立，专业人士还试图为年轻和新进的音乐人制造人为的障碍的话，我常常想，其实只不过是这些人，没有自己想象中那么热爱音乐罢了。很多时候，做音乐只是一门营生，一个生意。情怀之类的东西，在现实面前总要低头的。特别是在如今这个各行各业都在谈论“内卷”的时代，音乐圈也并无什么特别。而那些被圈子消磨很久还能保持锐气，常在以卵击石的人，大概都是经历过更多让人“难忘初心”的时刻，并且没被生活逼到妥协那一步的人吧。 我觉得一切都可以理解，但不必同情。 每个人都在做自己能做的事，尽量寻找着能做和喜欢之事之间的平衡。总有人在你不知道的地方努力，不以外界的某种潮流做标准。作为一个投身音乐领域的自由职业者，我真心希望这样的人更多一些。有时候同这样的人交谈短短的几句话，常常就使我仿佛醍醐灌顶。但其实很多时候，不仅和同行，和圈外的人聊到这些，我也常常感觉自己被打开了，十分兴奋，不想退回到舒适的区域。 这也让我愈发相信，只要你打开自己，永远进步，无论你的人生轨迹如何改变，你总能做出更加接近自我内心音乐的作品的。 以上 阅读原文
