BOHAN博涵，B站ins油管:BOHAN博涵，职业音乐人，创作制作演奏 阅读原文 这个问题问得非常好！我刚开始创作音乐是在初中，确实那个时候比较靠运气和灵感。会依赖自己在吉他 / 钢琴上面摸各种和弦进行，主题 riff，等等。但是越到后面，听的东西变多，学习的乐理，混音，器乐等一系列的更加丰富之后，就摸索出一套更加成熟的创作方式。灵感对我来说其实不过就是积累，经验，输入的东西内化之后，转化出来的一种表现方式罢了，并不是一个抽象的东西。所有的创作，编曲都是有迹可循，有方法可找。简单举例来说的话，我想聊聊下几个方面： 1. 和声与旋律 在我中学时代，我创作的和弦进行仅限于同一个调，若刚好有离调或者转掉的东西，也纯属碰运气，在乐器上偶然摸出来比较好听罢了。在旋律上也顶天就是自己凭着感觉哼哼看，没有对于和弦与旋律之间关系的深入思考。简单来说就是凭借粗浅的“感觉”来创作音乐，而并不是有一套精心设计的和声与旋律的创作理念。当然，在这里我想强调的是，学习乐理并不会弱化我们所谓的“灵感”，反而我们会更有意识地去理解我们基于灵感所创作的内容，以及利用知识去修正和完善这些内容。 由于中学时代对乐理的学习和理解不够深刻，很多时候是知其然不知其所以然。然而做职业音乐之后，我有更多的需求去学习大量的乐理内容，尤其是对于爵士乐理特别感兴趣。在接触到越来越多爵士乐理之后，新世界的大门就此打开。例如，运用更多的 7，11，13 和弦，或者是更多紧张感的#5，b11 等等音符，来让我的音乐具备更加大的动态以及紧张和释放。同时我也可以不局限于一个调，可以尝试着用更多离调或者转调的方法，来让我的音乐更加的丰富。（我本人是玩前卫金属为主，所以会很喜欢在和声，旋律，节奏上的创新，借鉴很多爵士乐的内容。） 在和弦对应的旋律上，我开始考虑更多的可能性。一个和弦上，所有的 12 个音都可以用，但 12 个音的和谐程度是不同的，他们有一个金字塔一般的等级。例如 chord tone 是舒服稳定的（chord tone 内部也有等级），该 chord 在曲子中所属的调中的 7 个音也是相对舒服的（当然也会有等级区别），最后是不在调上的 5 个音，基本比较难有和谐感。但重点是，12 个音都可以用，核心是在哪里用。这里我就不展开说明了，感兴趣的朋友可以看我这回答。 如何让吉他即兴 solo 变得更丰富？ 综上可见，如果纯靠灵感，我是没有办法在和声与旋律上有质的突破的。乐理上的知识帮助我做到这点。 2. 节奏 中学时代的我已经开始接触乐队，所以听了一些鼓手的基本摇滚节奏型，我会写的节奏也差不多就是这些简单的东西。或者说，稍微难一些的东西，我的脑子就已经无法分析更别谈运用了。所以我当时创作的内容，仅限于 4/4 拍，以及简单的爵士鼓节奏型与过门。 在正式玩前卫金属之后，我尝试去大量听鼓手的内容，去分析其他乐队的节奏创作。新世界的大门，再一次打开。在节拍上我会不断尝试跳出 4/4 这个桎梏，尝试创作更多 7/4，13/8 等奇数拍的内容。在节奏型上，我会尝试在 4，8，16，32 分音符，以及他们对应的 3 连音上做更多的切换，以及加上重音移位，节奏的丰富程度，可以在瞬间有无限可能，并且迅速上升。感兴趣的朋友可以看看我这篇回答。 编曲如何编好鼓，以及和声内部节奏？ 所以再一次说明，至少对于我来说，创作是基于大量的经验，知识还有积累，内化之后创作出来的内容。仅凭灵感，我断然无法在音乐上有质的突破。 3. 音色 高中的时候我开始玩 Garageband，其实已经可以做一些简单的 Demo。但这些新手友好的软件会喂给我很多做好的东西，例如各个乐器的节奏型，looper，做好的音色等等。但很多时候，其实只能凑合使用，和内心真是想要的感觉相去甚远，自己又没有能力去做出想要的东西。并且当时接触的音乐大多数摇滚乐的四大件，还有我自己弹的古典钢琴。 所以现在我会更多的学习录音的知识，音源的音色调试，各个音色的选择与制作，以及不同乐器的 articulation。因为音色在很大程度上决定了曲子的基底和色彩，同和声与节奏同样重要。（试想一下金属乐 riff 用木吉他演奏，或者电音合成器用管弦乐演奏，他们的听感差距很大）在音色上的精进，可以让曲目更加靠近，内心所想要表达的情感：忧伤，激情，困顿，愤慨，愉悦，温馨等等。附之以精妙的和声旋律与节奏，那么音乐从内到外可以更好的具有创作的统一性，最大程度的表达内心所想。 所以在这一层面上，仍然不是靠灵感，而是对于乐器，音源，合成器，采样等等的深入学习达成的。 感兴趣的朋友可以看看我这篇文章： BOHAN 博涵：如何自学编曲 Part One·乐器篇 4. 混音 混音对于音乐创作而言，也是非常重要的，因为我们在编曲的时候可以更好的考虑乐器扮演的角色，以及每个频段上的均衡，乃至不同声道，音量，远近的平衡。乐队现代音乐人来说，在创作上做得最多的是就是写东西，以及把已经写好的东西变得更好。混音可以帮助我们做到后者。 并且我们可以从混音的角度来考虑编曲的合理性。在制作上能力的提升，可以更容易理解自己喜欢的混音风格，从而让自己的音乐，在风格的表现力上更加提升。感兴趣的朋友，可以参考我这篇回答： 初学者编曲时，如何判断加乐器是否够多了？ 总结： 音乐都是一脉相承，互相学习借鉴，融合创新。人脑在艺术创作上，都是经过输入，内化，输出这一过程，所以没有任何一个灵感是来自于无。我们所认为的灵感，可能都是有意识或者潜意识听到，学习到东西的一种内化表达。创作都是具备核心概念的，并不是没有参考的玄学，我们学习的就是刨除华丽的外表，挖取和声，旋律，节奏，音色，制作等最核心的概念。对于曲目的分析，可以参考我这篇回答： 学编曲第一步要干嘛？ 最后乎一句话送给音乐创作的朋友们：Good Artists Copy, Great Artists Steal. 阅读原文
