刘治，中央美术学院 阅读原文 我现身说法一回吧，先上图 这些都是我在考学前自学状态的作品，后来我考上了中央美术学院，画风逐渐变成了这样。 大家可以看一下，从比例，叙事架构和造型能力来讲，的确比以前强了，但是从感觉来说，可以讲，退步了不少。 后来，我加强训练，看了不少书，也写过科幻小说，办过网站。社会阅历也逐渐丰富，写实能力加强。画风有变成了这样。 比起当初考学前的作品，可谓毫无感觉可言，完全是靠技术和知识在支撑着。当年那种扑面而来的灵气荡然无存。 一晃二十年了，当时觉得考上美院可以受到系统的训练，应该突飞猛进才对啊？可是这二十年的努力，怎么还不如那时候傻画来得有感觉呢？这二十年来，我无时无刻不被这个问题所困扰和煎熬着。 按照常规想法，“基本功”越扎实，应该越容易表达自己的感觉啊？为什么适得其反呢？ 而且我在日常观察中，发现这种现象并不是个例，我接触过几个纯零基础的甚至是没上过学的农民，画得反而更有感觉，比如邵炳凤 这是一个纯粹的农村大妈 还有梵高奶奶，我就不上图了。包括亨利卢梭。 我想，所谓基本功的训练其实是艺术感的很大的一个障碍。 我也曾经做过几个实验。有些朋友想和我学习绘画，我故意不教他们基本功，而是从他们的兴趣为出发点，因人而异地引导。 第一个实验的对象是一个五十岁的零基础的我的一个崇拜者。 我教学的方法是从线描开始， 这是我一个学生一开始的线描，很慢。 逐渐的他就越画越好了， 这时候他练了半个月。 逐渐会明暗了 半年之后，他用钢笔画出了他自己。 后来他在北京办了个个人展览。 第二个是个女孩子，她和我学了大概 4 个月的时间 我一开始想如法炮制第一个人的教学方法，所以也让她画线 通过线描，就知道她的兴趣所在了。 由于女孩子更偏好色彩的天性，我没有像其他人那样要求她把素描画好，然后再画色彩。既然她萌生了想画色彩，特别是想画油画的想法，就应该鼓励她，而不是压制她，磨灭她的兴趣。 所以我让她定制了油画框。 因为我觉得这是一种长期以来人们对色彩的误解——那就是色彩是作为一种从属地位，是辅助素描的，其实是大错特错的。色彩有着它独特的表达方式和丰富性是素描所无法替代的，它本身是独立的，所以并不存在什么要画色彩先要画好素描的道理。 而且在她的线描作品里，已经出现了自身对构图的要求和感觉，我想，这个时候让她画一下油画，反而对她素描有好处。 在定制油画框的日子里。我让她用水彩，丙烯，油画棒，色粉笔和彩色铅笔临摹两张大师的作品，作为预热。 这张是用水彩打底，在水彩本上用油画棒和色粉笔画的一张综合材料作品。 画线描的过程就已经对造型有了一个初步的概念了。这是她用丙烯临摹的德国新现实主义大师 Otto.DIX 的作品。 我之所以让她用综合材料去临摹油画，这里有四个原因： 第一，用不同的材料组合在一起会激发她对色彩的兴趣，打开思维。用不同的工具材料去临摹从某种意义上说是一种跨界学习，会是她进一步打开创造力。 第二，用不同的材料去临摹油画，是不可能和油画效果一样的，这样她就会有个意识——那就是色彩不是为了画得像，而是为了画的“好看”，画的好玩，打破常人对油画这种材料的神秘感和对所谓“油画”的那种高大上的敬畏感，油画只不过是诸多材料的一种，是和其他材料一样平等的。 第三，她刚刚学会了线描，并且在线描训练中逐渐找到了构成感，但是她还没有学会塑造体积，这时她还处于二维的思维状态，这个时候正是建立色彩感觉最好的时机，因为色彩本身是一个平面的概念，而不是像素描那样是用来塑造体积的。这正是她从平面构成向色彩构成的最好的过度阶段。 第四，她是一张白纸，没有那些固有的思维，还保持着初学者的赤子之心，状态也更真挚和自由。 很快一批油画框做好了，她也直接无碍地进入了油画创作。 她的第一张油画 这是她第一张油画，她不懂得素描，其实才正是画色彩的好时机，因为色彩其实是平面的对比，大的色块感觉，而不是像素描那样以塑造体积为目的，尽管问题多多，后面的阴影那种绿色也不对，但是几大色块的色彩特征抓住了，而且很整体，这是比先学素描再学色彩的人具有的优势。 随着对油画颜料性质的不断熟悉，一些线描的素养也逐渐显露出来。比如叶子的卷曲感。 这是她偷偷临摹了一张油画，画得很“行”。因为她眼界就是认为这种就是油画，所以我要让她提高眼界，不要停留在这种格调上，不过在这张画中，她学会了一些对细节的刻画。 这是她看了印象派大师的作品以后，产生了极大的兴趣，甚至开始用点彩了，从这幅画开始，色彩的美感和张力凸显出来了。美中不足的是构图的走向都是向右下方倾斜，我建议她签名在左下方，以平衡画面。 这张的构图就很好了，而且可以熟练地运用各种微妙的灰色来衬托红花的颜色了，加上线描的拙拙的趣味，后面那个小佛头也是在线描和那张临摹的油画中学到了东西，画得还很精致。 所以说，不一定先要学基本功才能画油画，什么都是在“做”中学到的。 这张已经开始有一种创作意味了，很多都是她编的，但是她对自己的要求极其严格，有一点不好看她都不高兴。但是艺术就需要这种态度。这时候显现出她造型能力的不足了。但是弥补造型能力不一定要用素描啊，在画面上找就可以了。 这张真的把我吓到了，如果不了解的话，也许我会觉得这是哪个欧洲大师画的，画面无论构图，造型的趣味还是色彩氛围和细微的变化，都感觉满满，收放自如。 她似乎不满足于此，把题材又拓宽了 她甚至请了模特来画人体。 这两张人物画固然毛病多多，由于场景复杂，而她的认识又没有跟上去。但是从三月份开始画第一张线描到目前为止，一路高歌猛进。在不到四个月的时间里，有了这样的进步和成绩，我想无论如何也算是一个不小的奇迹了。当然，她的故事还在继续，所以这一份热情还是不要打击，因势利导，逐渐让她不断精进。来日方长，还需努力。 但是加上她画线描的时间一共是四个月，这个进步可以说是一个奇迹了吧？ 说到奇迹，那第三个就更神了，是一个回族的厨师，只有初中二年级的学历。很早就离家打工挣钱了。他在北京的宋庄艺术区开了一个卖羊肉汤的小店。来来往往的食客大都是艺术家，这其中也包括我。大概是这个小伙子的人品和手艺都出奇的好，所以我们很快就成为了无话不谈的好朋友。 忙乎完一天，他晚上就按照我说的去画，每天都画到清早六点多，然后给家人做完早饭睡一会，十点钟就又忙乎起来了。 然后，我建议他尝试着用进口的梵高水彩来替代国画颜料，而且还可以尝试着用丙烯。小伙子的心就像白纸一样纯净，进步得很快，马上，第一批作品就问世了。 所谓“大力出奇迹”，我每次去他的小店，他都画出了令我惊讶的作品。他高兴地说：“刘老师，你猜怎么滴，人家好些画画的老师，看了我的都说好！我哥们问我是不是遇见高人了！” 我看了他的作品，就鼓励他，把画裱起来，然后挂在店里，这个小店就是他的展览馆，就是他的艺术沙龙了。 当一个人进入这种投入忘我的状态中，一个奇迹往往会带来更多奇迹，势不可挡。他在宿舍里竟然创作出了一张油画！ 后来很多人都是慕名而来，吃他的羊肉，看他的画。而那些国画大师的作品也逐渐被取代，摘了下来。 直到一年后的一天，一位北京某文化传媒集团的老板来到他的小饭馆。顺利地和他签约，每年要支付六十几万的签约费。 他终于可以安安心心地画画了，不用在厨房里烟熏火烤了，不用点灯熬油了，不用为生计发愁了。我悬着的一颗心也放下了。 通过这三个案例，大家可以看得出，我在教学的过程中，基本功的成分越来越少。情感和兴趣的成分越来越高，也越来越趋于本能的表达。感觉就是来自于真挚的情感，而不是所谓的基本功。 那么基本功到底为什么不好呢？ 原因是我们的学院教育过于落后，严重滞后于社会的发展。基本功是以画得“像”为第一目的，丝毫没有审美和人文素养的训练，从一开始就是要画石膏几何体，然后是静物，再然后是石膏像，头像……这和艺术感有什么关系呢？ 而且这种画法经过多年的训练，人的感觉和兴趣早已磨灭殆尽。而且比例准确并不是“像”的唯一方法啊！在学院里，也有这么一种说法，“研究生不如本科生，本科生不如附中生，画的最差是老先生。”其实这个谚语充分说明了，学院派基本功的害处。我在学院这么多年，如果从艺术感觉的角度来看的画，说实在的，建校这么多年还真没几个。就是那寥寥几个，也是因为这些旁门左道而促发了灵感，比如朝戈和毛焰，而喻红什么的画的真的不怎么样。 后来有个知乎的知友和我私信，使我茅塞顿开 我想这就是症结所在了，是信息！我考学前画的不是比例透视，是信息！这个问题早在 19 世纪末梵高和塞尚就已经在解决了，我怎么这么笨？那些画册白看了，美术史白学了，在当代艺术圈白混了。一个外行人竟然解决了我 20 多年的困惑。 为什么学过画画的不如没学过的，那是因为没有经历现当代艺术的教育，我们的学院教育在这方面几乎是空白。只有基本功，没有审美。只有知识，没有心灵。讲真，还不如自己按照自己的想法，一点点地积累，看一些画册和展览，在网络上看一些高质量的作品来得直接。人只要保持对自己的要求，是完全可以摆脱学院和基本功的窠臼的。把那种学院体系的教育与社会上的培训当成是一种技术培训就好了，因为那些和艺术半毛钱关系都没有。 ———————————————————————————————————分割线 很多朋友似乎有一个误区，那就是把“自学”和自己瞎画等同起来。首先，自学并不是不学，自学的核心还是“学”。其实自学的优势有很多，比如自主性强，我那个时候，觉得自己应该看什么东西就去看，喜欢谁的就去琢磨，有什么想法能去和那些大师的感觉契合、碰撞的就去尝试，有时候看一些大师的画展，比如 1996 年的巴尔蒂斯展览，我看了 4 遍，比如我会在当时的中国图书进出口公司看上一天的外文画册，我会偷偷溜进当时高研班的学术研讨会听讲，我会去美院的美史系听那种国外专家的讲座。这是任何培训班给不了你的。如果说我有什么天赋的话，那可能就是这种野性和执拗吧。 第二，自学可以培养自己的独立思考能力，有自己的悟性。哪怕尝试失败了，也比被老师牵着鼻子走强。所以造成了我从来不崇拜学校里的任何一个教授的性格特点。 第三，我深知自己要学什么，比如某个阶段，我喜欢巴尔蒂斯，那我就研究他，但是我特别反感临摹，而是我再看巴尔蒂斯的作品的时候，发现塞尚的观念，弗朗切斯科的构成，都与之相近，我去领悟其中的共同规律，有时候我不想画画而是想看书，就去看书。这也是培训班给不了的。 第四，有个阶段我对自然科学很着迷，天天去自然博物馆和科技馆，因为我这人好奇心比较重，如果是集训，肯定是不允许的。 学艺术往往是一种在内心执着而外在行为行为比较散漫，它应该是根据自身的需求不断吸取营养的过程，而集训则是扼杀了这个过程和念头。所以往往艺术家是通过自学而成的，因为自学的确见效快，提高很大，目的明确，一针见血，这是集训和学院所无法给予的。所以这其实并不是什么天赋，而是方法。 ————————————————————————————————————再分割一下 其实我们所说的学画画基本上可以等同于集训和学院，而不是自学，自学往往保持了那种绘画的本能和天性。对于基本功和技术，可能我们往往理解成为“写实”技巧和“学院写实基本功”，而不是“审美”的，想象力的，创造力的。这是我们以为学院派尤其是苏派的训练是绝对正确的，是唯一的，是放之四海而皆准的。这是非常错误的！如果大家喜欢艺术或者绘画的话，不妨可以多看看一些现当代艺术，也可以看看《现代艺术 150 年》和《艺术的故事》。在学所谓的基本功和技巧之前，先了解一下这张技巧和基本功最终的目的是什么？因为没有审美的技巧是非常可怕的 ——————————————————————————再分割一次在和答友们的互动中，也会碰撞出一些精彩的火花，我会分享给大家，比如这次对话 在评论中的对话，其实更有针对性。我也会通过交流，把这些交流成果分享出来，方便大家的思———————————————————————————分割线 大家如果有兴趣的话，也可以看看这本书 —————————————————————————————————————再分割一次 很多朋友的评论中都提到了毕加索的基本功很好，是他日后成为抽象大师的一个必要基础。其实这里有一个误区： 1 那就是毕加索在 14 岁的时候就可以画出很成熟的写实作品，那只能是因为他聪明，早熟。这是无法作为参考标的的。 2 他后来因为领悟了塞尚的形式表达，进而发展处了立体主义，这也是因为他才气过人。他的成功不是普遍现象，而是人类屈指可数的在历史的重大转折期的现象级大师。 3 但并不意味着，只有画好写实才能画立体派啊？这二者没有任何的必然逻辑。在国外，立体主义绘画是在幼儿园就开始培养小朋友艺术兴趣的一种课程。比如 估计现在培养艺术兴趣用石膏几何体的只有中国和朝鲜了吧？ 4 恰恰很多写实主义大师是从抽象入手进入写实油画的，比如以色列艺术家阿列卡 更让大家想不到的是美国照相写实主义的创始人查克·克洛斯一开始就是玩抽象的，但是他为了逆反抽象主义在美国的垄断，创立了照相写实主义： 而且他的这种照相写实主义的素描是靠投影仪，包括墨汁，签字笔在内的多种材料绘制而成，而不是仅仅用铅笔。 什么是基础？难道只有画石膏几何体才叫基础？在达芬奇时代这种教具就不存在！现在的欧美也很少用。 难道只有苏派才叫基础吗？难道基础只有艺考的路子才叫基础？ 你们老师说大师都是基础好的？那他研究那么多年基础，他怎么没画出抽象的东西？他见过几个大师？ 写实不等于基础，更不等于画好写实才能画抽象画，不等于画好写实才能表达自己情感的基础！这是常识，但是被我们的培训班和学院教育蒙蔽了。 研究抽象也是一种基础，因为它直接涉及的是“美”本身。而不是“像”和“正确”。之所以很多大师从抽象入手，这固然有时代的原因，因为很多国家已经走出了 19 世纪之前的那个没有照相机的社会。更重要的是在形式的基础上，稍微加以写实，画面就会显得比只会苏派的人格调高得多！ 真正的基础就是兴趣，眼界和一颗不羁的心。 阅读原文
